ERNST LUBITSCH E IL SUO “TOCCO”

Facciamo un passo indietro, con Ernst Lubitsch, ai tempi dei bisnonni; ma il suo cinema è teatrale, ben ritmato, allusivo e politico quando serve. Le occasioni per vedere i suoi film sono poche, ma una visione non guasterebbe.

"The Lubitsch Touch" è una frase che è stata a lungo utilizzata per descrivere lo stile unico del regista Ernst Lubitsch, quasi un’etichetta per far sì che il suo nome diventasse un marchio. Si tratta di una definizione che abbraccia una serie di virtù: raffinatezza, stile, sottigliezza, arguzia, fascino, eleganza, soavità, raffinata nonchalance e audaci sfumature sessuali. I critici di tutte le epoche hanno sempre usato il “tocco” del regista nel loro lavoro, il che dimostra l’importanza di Lubitsch nella storia del cinema, particolarmente di quello statunitense, dove ha segnato un’epoca. Tra i primi registi ad avere l’onore del “nome prima del titolo” sui manifesti e nei cast, Ernst Lubitsch, ebreo berlinese, era emigrato a Hollywood nel 1923, quando l’industria americana attingeva dal cinema europeo, strappandogli i nomi più prestigiosi.

Con Lubitsch torniamo giovani, ai tempi dei cineforum. Ricordiamo, a proposito, “Vogliamo vivere”, la cui trama si svolge nell’ambiente del teatro, nella Praga occupata dai nazisti: una commedia su un momento tragico della storia. Si tratta di un’acuta presa in giro del nazismo e fa ridere con esso, mentre il mondo trema per la paura.
Tra i ricordi giovanili emerge anche “Scrivimi fermo posta”, del 1940 (andato in onda spesso anche in TV. Siamo a Budapest ed è Natale in un momento di crisi. I protagonisti non sono coloro che usufruiscono del lusso, ma quanti lo vendono senza goderne: i commessi di un negozio. L’amore tra Alfred Kralik (James Stewart) e Klana Novak (Margaret Sullavan) è reso difficile dalla minaccia della disoccupazione. In ogni caso, il film scorre in una piacevole girandola di equivoci, tra malizie femminili e schermaglie tra sessi. Un altro tocco di Ernst Lubitsch.

Ernst Lubitsch, note biografiche

Ernst Lubitsch nasce a Berlino il 28 gennaio del 1892. Dopo le prime esperienze nel teatro Sophien Gymnasium, decide di lasciare la scuola e intraprendere una carriera sul palcoscenico. Aveva sedici anni. Per cambiare vita, è dovuto scendere a compromessi con il padre e tenere i libri contabili dell'attività di sartoria della famiglia, mentre recitava nei cabaret e nei music hall di notte. Nel 1911 entrò a far parte del Deutsches Theater e fu in grado di passare a ruoli da protagonista in breve tempo. Ha accettato un lavoro extra come tuttofare mentre studiava recitazione di film muti. L'anno successivo ha lanciato la sua carriera cinematografica, quindi a partire dal 1914 si è dedicato alla scrittura e direzione dei suoi film.

Il suo film di successo arrivò nel 1918 con "Gli occhi della mummia", una tragedia con protagonista la futura star di Hollywood Pola Negri. Nello stesso anno realizza Sangue gitano (1918), sempre con Negri, film che riscuote il successo a livello internazionale. L'anno 1919 trovò Lubitsch alla regia di sette film, i due di spicco furono il suo sontuoso Madame DuBarry (1919) con due dei suoi attori preferiti: Negri (ancora una volta) ed Emil Jannings. L'altro suo pezzo forte fu l'arguta parodia dell'alta società americana, La principessa delle ostriche (1919) ("The Oyster Princess"). Questo film è stato un perfetto esempio di quello che divenne noto come il "tocco Lubitsch": umorismo sofisticato combinato con una messa in scena ispirata che presentava una sinossi visiva di trama, scene e personaggi.

Il suo successo in Europa lo portò sulle coste americane, dove conobbe la fiorente industria cinematografica statunitense. Finì per trasferirsi definitivamente negli Stati Uniti, iniziando col dirigere per dirigere il suo primo successo americano, Rosita (1923). Matrimonio in quattro (1924) diede inizio alla serie di film sofisticati di Lubitsch che rispecchiavano la scena americana e tutto il suo panorama distorto della condizione umana. Il regista ha poi vissuto la transizione graduale dai suoi film muti a quelli sonori. La creazione di quei film portò la Paramount a nominarlo capo della produzione nel 1935, in modo che potesse produrre i suoi film e supervisionare quelli di altri. Nel 1938 firmò un contratto triennale con la Twentieth Century-Fox.

Certamente due dei suoi film più amati verso la fine della sua carriera hanno affrontato il panorama politico dell'era della seconda guerra mondiale. Si è trasferito alla MGM, dove ha diretto Greta Garbo e Melvyn Douglas in Ninotchka (1939), una commedia frenetica di occidentali "decadenti" che incontrano "compagni" sovietici che cercavano più vita di quanto la madrepatria potesse offrire loro. Durante la guerra ha diretto forse la sua commedia più amata: “Vogliamo vivere!” (1942), prodotto dalla sua stessa compagnia, la Romaine Film Corp. Si trattava di una satira pungente della tirannia nazista, che prendeva in giro anche le radici teatrali di Lubitsch.

Lubitsch ebbe un grave infarto nel 1943, dopo aver firmato un contratto di produttore/regista con la 20th Century-Fox. Completò comunque “Il cielo può attendere” (1943).
Lubitsch muore a Los Angeles, il 30 novembre 1947.

Il fotografo, Edward Steichen

Fotograficamente, Edward Steichen si è distinto in ruoli differenti. Durante la giovinezza è stato un fotografo di talento. Ha poi continuato ad alimentare la sua fama in ambito commerciale negli anni '20 e '30, restituendo ritratti eleganti di artisti e celebrità. Fu anche un importante curatore, organizzando tra l’altro la mostra "Family of Man" nel 1955.

Nato in Lussemburgo, il 27 marzo 1879, Steichen arriva negli Stati Uniti quando aveva due anni. Lui e i suoi genitori si stabiliscono nella piccola città di Hancock, dove il padre prestava servizio nelle miniere di rame. Quando il genitore smise di lavorare per le cattive condizioni di salute, la famiglia si trasferì a Milwaukee, nel Wisconsin, dove la madre sosteneva la famiglia lavorando come artigiana. A partire dall'età di 15 anni, Steichen ha svolto un apprendistato di quattro anni in un'azienda litografica. Durante gli anni '90 dell'Ottocento studiò pittura e fotografia, il che lo avvicinò alla corrente pittorialista. Le fotografie di Steichen furono esposte per la prima volta al Second Philadelphia Photographic Salon nel 1899, e da quel momento divenne presto una star.

Nel 1900, prima di compiere il primo di tanti lunghi viaggi in Europa, Steichen incontrò Alfred Stieglitz, che acquistò tre fotografie del giovane autore. Fu l'inizio di un’amicizia intima e reciprocamente gratificante, che sarebbe durata fino al 1917. Nel 1902 Stieglitz invitò Steichen a unirsi a lui e ad altri fotografi, nella fondazione della Photo-Secession, un'organizzazione dedicata alla promozione la fotografia come arte.
Nel 1905 Stieglitz aprì la sua prima galleria, originariamente chiamata Little Galleries of the Photo-Secession, ma meglio conosciuta come 291, dal nome del suo indirizzo al 291 della Fifth Avenue. Steichen divenne il collegamento francese della galleria. Usando i contatti che aveva stabilito in Europa, divenne il principale responsabile dell'organizzazione delle mostre di arte modernista francese che si tenevano al 291. Henri Matisse (1908) e Paul Cézanne (1910) esposero lì proprio per merito di Steichen.

La rottura tra Stieglitz e Steichen arrivò sull'orlo dell'entrata degli Stati Uniti nella prima guerra mondiale, forse perché Steichen era un francofilo e Stieglitz apertamente legato alla Germania; o probabilmente perché Steichen era arrivato a credere che la Photo-Secession di Stieglitz e i suoi strumenti – la galleria 291 e la rivista Camera Work - fossero diventati i veicoli per un culto della personalità.
Quando gli Stati Uniti entrarono in guerra nel 1917, Steichen si offrì volontario e fu nominato capo della fotografia aerea per l'esercito americano in Francia. La sua esperienza con le rigorose esigenze tecniche di questo lavoro ha cambiato la sua visione circa lo strumento fotografico. Dopo la guerra abbandonerà lo stile pittorialista, orientandosi verso una maggiore oggettività di descrizione e racconto.
Sempre in antitesi con gli atteggiamenti foto-secessionisti, Steichen si dedicò alla fotografia commerciale, fondando uno studio di successo, quando si trasferì a New York City nel 1923. Ha dedicato i successivi 15 anni della sua vita principalmente alla fotografia di moda e ritrattistica per le pubblicazioni Condé Nast, come Vogue e Vanity Fair. Chiuse lo studio il 1 ° gennaio 1938 e trascorse gran parte dei quattro anni successivi nella sua casa nel Connecticut, coltivando piante.

Un mese dopo l'attacco a Pearl Harbor, nel dicembre 1941, la Marina degli Stati Uniti fece di Steichen un tenente comandante incaricato di dirigere una registrazione fotografica della guerra navale nel Pacifico. Durante la seconda guerra mondiale, Steichen iniziò a collaborare con il Museum of Modern Art di New York City e nel 1947 fu nominato direttore del dipartimento di fotografia, posizione che manterrà fino al suo pensionamento 15 anni dopo. "The Family of Man", una mostra che ha curato nel 1955, è stata senza dubbio l’operazione più importante della sua lunga carriera. La mostra era basata sul concetto di solidarietà umana e Steichen ha selezionato 503 immagini da innumerevoli stampe arrivate da tutto il mondo. Si dice che la mostra sia stata vista da quasi nove milioni di persone in 37 paesi. Steichen ha continuato a curare molte mostre minori al museo, dimostrando così come volesse sostenere il mezzo fotografico per tutti i restanti anni della sua carriera. La sua autobiografia, A Life in Photography, è stata pubblicata nel 1963.

Edward Steichen muore il 25 marzo 1973, in Connecticut.

La fotografa, Imogen Cunningham

Cunningham è stato una pioniera della moderna fine-art photography, nota per i fiori, i nudi e i ritratti. Nata a Portland, Oregon il 12 aprile 1883, Imogen Cunningham è diventata una delle più importanti fotografe del secolo scorso.

Imogen Cunningham è famosa non solo per le sue fotografie, perché viene ricordata anche come uno "spirito indipendente". Nei numerosi resoconti circa la sua vita, ricorre spesso la definizione "acida". In realtà, Imogen era una donna tenera ed emotiva. La doppia personalità risulta evidente nelle sue fotografie dallo stile differente: il suo lato tenero ed emotivo, appare in alcuni dei suoi primi ritratti; la prova del versante più "acido" emerge dalle sue immagini di vegetali e dalle nature morte.

Imogen decise di diventare fotografa nel 1901. Nel 1907 si laureò in chimica presso l'Università di Washington. Il suo primo lavoro fotografico l’ha vista come assistente di Edward Curtis, dal 1907 al 1909, quando nel suo studio stampava immagini di nativi americani. Dopo una parentesi in Germania, nel 1910 tornò negli Stati Uniti, a Seattle, dove aprì uno studio di ritratti. Le sue prime immagini erano studi allegorici realizzati con amici artisti, caratterizzati dal fuoco morbido.
Imogen ha sperimentato altri tipi di fotografia, tuttavia la ritrattistica sarebbe sempre stata il suo primo amore, anche se nel corso degli anni si sarebbe evoluta in uno stile diverso, più chiaro e nitido.

Nello stesso anno del suo matrimonio, il 1915, Imogen ebbe il suo primo figlio, Gryffyd. Due anni dopo diede alla luce due gemelli, Randall e Padraic. Il 1917 fu anche l'anno in cui la famiglia si spostò a San Francisco, mentre tre anni dopo trovarono casa a Oakland. Durante gli anni nei quali cresceva i suoi tre figli, Imogen si trovava per lo più confinata in casa. Tuttavia, questo non ha ostacolato i suoi progressi nella fotografia. Ha approcciato un nuovo hobby, il giardinaggio; attraverso il quale poté studiare le specie vegetali e fotografarle. Mentre cresceva i suoi figli, continuava nella fotografia sperimentando doppie esposizioni e stili rinnovati, tra i quali il nudo e le nature morte.
Avvicinandosi al corpo femminile e maschile come aveva fatto con la vita vegetale organica, Imogen rendeva astratte le immagini, scattando foto nitide e ravvicinate. Questo trasformava i corpi in forme organiche e geometriche, estrapolate dal contesto, con l'accento posto sul gioco di luci e ombre.

Imogen e Roi erano sposati da 19 anni quando decisero di divorziare. Tornò a San Francisco dove rimase fino alla sua morte. Durante gli anni '50 e '60, iniziò a fotografare persone per strada, come i poeti della beat generation. Nei primi anni '60 si recherà in Francia, percorsa al tempo da una ventata di ottimismo. Stanchi della devastazione della guerra, le persone ricominciavano a innamorarsi e i fotografi documentavano la riconciliazione dell'uomo con l'ambiente e le persone. Lo sguardo del fotografo su Parigi era ora quello del sentimento, dei parchi e degli innamorati: una vista romantica. Imogen ha documentato anche questo.

Ricordiamo che nel 1932, Imogen, Ansel Adams, Edward Weston, e altri, avevano fondato il Gruppo f/64, che ha promosso la fotografia e ha contribuito a definirla come forma d'arte.

Fino ad adesso abbiamo definito Imogen Cunningham come una brillante fotografa. Sorprende il fatto come, da giovane, abbia scelto di dedicarsi alla chimica come strada per la fotografia, campi, entrambi, riservati agli uomini. Forse le appariva tutto normale, ma ai tempi era notevole: un passo verso l’emancipazione quasi inimmaginabile. Ma lei veniva ricordata come uno spirito indipendente e, in effetti, lo era.

Imogen Cunningham ci lascia il 23 giugno 1976, a San Francisco.

Le fotografie

Ernst Lubitsch alla macchina da presa, Edward Steichen
Un ritratto di Ernst Lubitsch, Imogen Cunningham