Abbiamo parlato spesso con Alessandro, sempre con rinnovato piacere. I dialoghi parevano quelli che intercorrono tra persone che si conoscono da anni. Il merito va ascritto anche alla fotografia, non c’è dubbio: la passione comune; ma secondo noi c’è dell’altro, eccome. Ci rendiamo conto come Dobici abbia affrontato la fotografia col piede giusto, in una continua verifica con se stesso.

Anche gli inizi infantili gli sono stati utili, quando la madre lo chiamava a documentare le vacanze. Lì ha compreso il suo atteggiamento nei confronti dello strumento, del quale non poteva più fare a meno. Perfino in laboratorio, mentre curava le cromie di milioni di negativi, assorbiva immagini, le faceva proprie, con un bisogno che diventava compulsivo, necessità assoluta. C’è qualcosa in più, comunque; e l’ha capito anche Giovanni Cozzi, suo maestro: Alessandro non chiedeva nulla, semmai cercava. Ancora una volta ci troviamo a citare Edward Steichen, quando diceva: “Missione della fotografia è raccontare l’uomo all’uomo e ogni uomo a se stesso”. E attenzione, il fotografo lussemburghese non parlava di possedere la fotografia e nemmeno di che uso farne, semmai ce la metteva a disposizione, per chi avesse voluto raccontare e raccontarsi. E Alessandro si guarda spesso dentro, in quella solitudine che cerca tra un lavoro e un altro, lontano dalle false valutazioni e dai luoghi comuni; così è pronto per gli impegni futuri e anche nel dialogo con noi. Le parole funzionavano già, come se fossero state pronunciate da tempo. E allora? Impariamo una volta di più come il fotografo non abbia palcoscenici e nemmeno applausi. La sua pratica è relazionale, ma parte da dentro; e anche da quello stare soli che alle volte non guasta, anzi.

D] Alessandro, quando hai iniziato a fotografare e perché?

R] Ho iniziato da piccolissimo: avevo otto anni. Mia madre, in vacanza, mi chiedeva di scattare delle fotografie ricordo, permettendomi così di prendere confidenza con lo strumento. A diciotto anni ho ricevuto in dono dai miei fratelli un sassofono elettronico: cambiarlo con una fotocamera Yashica FX-3 è stato un attimo. Da quel momento ho iniziato a sognare fotografia, continuando a farlo anche quando lavoravo come assistente presso un laboratorio di sviluppo e stampa (Kodak express). Dopo un anno, sempre per merito dei fratelli, ho avuto la possibilità di lavorare con Giovanni Cozzi, entrando anche in società con lui, in uno studio che abbiamo diviso a metà.

D] Giovanni Cozzi, una grande persona: la fotografia tutta ne sente la mancanza …

R] Lui è stato il mio maestro: duro, severo, un vero capo. Non era facile per me lavorare al suo fianco, ma poi capii che ne valeva la pena. Mi parlava di responsabilità, da persona esigente. Per molto tempo siamo rimasti in contatto, anche quando le nostre vie si sono separate.

D] La tua è stata passione per la fotografia?

R] Sì, assolutamente: sempre e solo quella; che peraltro esiste ancora. Agli inizi, non speravo di poter fare della fotografia un lavoro, ma sognavo di poter fotografare. Lo comprese anche Giovanni e fu il motivo per il quale si convinse ad assumermi come assistente. Gli dissi che la carriera non m’interessava, anche perché non ne conoscevo le dinamiche. Ero giovane e per me era importante avere la fotocamera tra le mani.

D] La passione è stata (ed è) importante, dico male?

R] Assolutamente sì. Mi ha concesso l’opportunità di vivere con me stesso e pensare, con un atteggiamento simile, credo, a quello di un musicista. Alle volte inquadravo senza scattare, come faccio oggi quando posso rimanere solo. E’ interessante il fatto per il quale ho esposto in mostra immagini scattate per mio conto, in solitudine. Tra l’altro, non fui io a decidere di farlo, ma una ragazza, che a lungo insistette affinché organizzassi l’esposizione. Disse: “Se io mi emoziono davanti alle tue fotografie, perché non dovrebbe capitare anche ad altri?”. Lei conosceva Giuliana Scimè, critica e curatrice; la contattò e subito le rispose che se ne sarebbe occupata personalmente.

D] La passione è contagiosa …

R] Probabilmente. Mi capitò un altro colpo di fortuna, mentre ero a Cuba per un lavoro pubblicitario. Un giorno dissi a me stesso: “Domani mattina voglio uscire e scattare per conto mio”. Così feci e un giorno mi chiesero: “Si possono vedere gli scatti?”. A porre questa domanda era stato il Ministro della Cultura Cubano. Lì è nata la mostra esposta nell’isola caraibica. La RAI ne ha prodotto un ampio servizio.

D] Agli esordi, ma anche dopo, hai avuto degli elementi ispiratori? Dei fotografi che ti abbiano colpito particolarmente?

R] Il sogno continuava a vivere, giorno dopo giorno, durante quattro anni di scatti. Ho fatto ricerche e divorato libri (non vi era internet allora). Mi sono imbattuto in un libro di Peter Lindbergh e ho immaginato il suo modo di lavorare, cercando di farlo mio. Il caso ha voluto che me lo ritrovassi, di persona, in studio. “Fammi vedere qualcosa”, disse; ha poi scelto una fotografia, che io gli ho stampato nottetempo. Peter era in grado di far emergere l’aspetto più profondo dell’emotività vissuta dai suoi soggetti. Non ne conosco altri come lui.

D] Alessandro, come hai curato la tua formazione?

R] In semplicità. Trovo sia stato istruttivo l’anno trascorso presso il Kodak express, dove ero costretto a filtrare i negativi. Ho visto milioni d’immagini, tutte amatoriali; il che mi ha aiutato molto. Non ho studiato quasi niente, nel senso scolastico del termine; anche perché non credo si possa imparare la fotografia come sui banchi di scuola. Il fotografo autore (qui sta il punto) anche da adulto deve impegnarsi in autonomia, perché altrimenti andrebbe a compromettere la spontaneità. I giovani rischiano quando frequentano le scuole di fotografia. Chi sogna di poter scattare è un po’ un’artista, e da giovane risulta essere debole, eccessivamente malleabile. Io ho tenuto dei corsi, da docente; ma sin dall’inizio ho sempre precisato che non avrei insegnato nulla.

D] Dove preferisci lavorare, in studio o fuori?

R] Amo scattare all’aperto. Non è una questione di luce, ma credo che il soggetto si possa trovare maggiormente a suo agio, posando in confortevolezza. Lo studio è una scatola chiusa, che può restituire imbarazzo a chi posa davanti l’obiettivo. Tra quattro mura, spesso siamo costretti a ritrarre marziani.

D] Alessandro, credo tu abbia iniziato con la pellicola …

R] Sì, è ovvio. Mi hanno insegnato a stampare e l’ho fatto, a mano. Il digitale l’ho approcciato tardi, forse, nel 2005. Ricordo che lo sviluppo dei rullini mi metteva ansia e l’affidavo a un professionista di fiducia.

D] Stampi anche in digitale?

R] Sì, per la mostra ci siamo rivolti a uno stampatore, dopo un lavoro enorme svolto da me e la ritoccatrice.

D] Qualche rimpianto per l’analogico?

R] Ho un rimpianto professionale. Le dinamiche che ti portano a visionare tutto in tempo reale rappresentano un danno enorme, anche se diventa possibile riparare agli errori. Un tempo eri il comandante dello studio, tutti vivevano in balia del tuo operato. Io, comunque, non scatto quasi mai di fianco al computer.

D] Curi personalmente il ritocco?

R] No, c’è una persona che lo fa per me. Mentre interviene, quasi sempre sono alle sue spalle. Lavora con me dal 2005.

D] Alessandro, fotograficamente come ti definiresti?

D] A tuo avviso, qual è la qualità più importante che un fotografo come te deve possedere?

R] Credo occorra mettersi a disposizione per un fine: la realizzazione di un’immagine, un atto sacro. Attraverso la fotografia ottenuta, passano miriadi d’informazioni. E’ poi necessario un rispetto forte dedicato al soggetto fotografato, che poi è la responsabilità che esigeva Giovanni Cozzi. In buona sostanza, il ritratto è un incontro, che deve diventare speciale.

D] Dopo tanti anni di carriera (venti, suggerisce il servizio su RAI 5) c’è un progetto rimasto indietro e che vorresti portare a termine?

R] Ce ne sono diversi. Per il rispetto che nutro circa le persone che vorrei fotografare non ho forzato le richieste. Nel cassetto c’è un progetto di beneficenza che staziona lì da quattro anni.

R] Ce ne sono due. Una è in mostra, l’altra ritrae Claudio Baglioni: una silhouette del cantante, a sviluppo orizzontale. Si tratta di uno scatto sbagliato, ma ti fa rendere conto come spesso l’errore possa essere utile. Quell’immagine è più bella così di quanto non sarebbe stata se scattata correttamente.

D] Bianco e nero o colore: cosa preferisci?

R] Il B/N, tutta la vita. E’ una questione di gusti, ma credo anche che il colore possa rappresentare un elemento distraente. Preferisco che una donna con gli occhi azzurri risulti bella per lo sguardo e non per i colore dell’iride.

D] Roma, la tua città, ti ha offerto qualcosa fotograficamente?

R] Non sono la persona più adatta per rispondere. Frequento raramente il mondo romano. Lo stesso studio non porta il mio nome, perché vorrei parlare con gli altri colleghi.

D] Potessi dedicarti un augurio fotografico, cosa ti diresti?

R] Vorrei che chi decide la pubblicazione delle immagini lo faccia con coscienza, utilizzando gli scatti maggiormente talentuosi e non quelli che costano meno.

D] E alla fotografia cosa auguriamo?

R] Un utilizzo minore dei SW di ritocco. Se riducessimo il tempo dedicato al monitor, ne rimarrebbe di più per lo scatto, con dei risultati probabilmente migliori.